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从现在展览的佳作看，超写实的佳作只是选取了几幅**性作品，而更多的则是画室写生作品占了主体，这是出于何种考虑？

看画的大概能分为三类人，超写实的佳作对于普通观众而言通常会起到误导作用，看作品时它们很容易去与照片做相当，往往从“技术”的视角来看作品。其实我期望有更多的听众可站在油画的视角上来看画，站在戏剧的视角来欣赏。如果只是从事抽象书法的作家，他们来看作品肯定不会迷恋画面的假象，而是会从场景的方式语言，比如画面的**结构、色彩的关系、画面的丰富性等，画面是否传达出一种情感、美感来解读作品，这也许就是我们一般所说的内行看门道吧。还有一类就是从事理论研究的，他们的视角又不一样，会站在历史、文化、甚至更高的美学的视角来探讨，主观意识先入为主，与艺术家真实的表达原来也不同。而画面的迅速写生，更接近绘画的本质，它是书写式的。这些即兴完成的绘画作品，画意更浓，情感的抒发更直接。我相信这类佳作在景德镇最能找到共鸣。

从肌理上讲这遍铺色须尽量蕴藉、厚薄平均、衔接天然，而不需要将效果的肌理强弱对比过早显示出来。沈阳优质画像按需定制

然而，画像复制科技对现代美术的深远影响直至战争后才受到充分了解，只有专著才能追溯到历史。这些著作在美国的翻译是有限的。

上世纪上半叶，摄影独立发展，电影工业跟现代印刷科技快速演进。相册、杂志、电影跟广告都占据了公众的视觉生活。大约1937，法兰克福学派的马克思主义者本杰明出版了有名的“机器复制时代的艺术”，预见到图像的复制已经决定性地颠覆了视觉戏剧。早些时候，列宁强调，电影将是新世纪最重要的艺术，打开**主义世界的宣传机器。苏联终于变成电影大国，堪比好莱坞庞大的影片行业。

上世纪五六十年代，普通艺术彻底解除了复制画像与绘画之间的分歧。图像可以看作绘画，绘画也可以看作画像。从而加速了特色架上绘画的边缘化。

此后，欧美高校的特色画像课程逐步衰败和瓦解。画像已经变成一门有趣的课程，而非绘画课程仍在不断增加。艺术家的角色跟价值观发生了历史性的差异：艺术家不等于艺术家，但艺术家并不意味着艺术家。

太原优质画像这份艺术画像上的技艺如何就该遭到批评呢。

用现代设计修辞来抒发汉画像戏剧的民族灵魂有三个方面。

一是突显民族传统文化主题「情感交流」，提出吉祥观念。现代视觉美术需要把握汉画像戏剧的“神性”创造。

二是突显汉画像的特殊方式表达，如模块化形式跟叙事表达。汉画很好地体现了古代的“工匠精神”。汉画制作有固定的粉版「情感交流」，面积相似的汉画内容基本相近，是模块化的体现。

三是运用新媒体给汉画像带给新的涵义。汉画艺术成为特色文化符号模式的一部分，在全球文化的传承中发挥着重要的功效。如何让具备民族精神根源的特色美术发挥的文化功能，是一个时代课题。新的构思表达形式让汉画像戏剧从博物馆走向整个公共生活，适应现代文化观念跟时代气息，为新文化观念的建立作出贡献。

么这就发生一个问题：写实的混搭算“学术”吗？在现今艺术界，这或许是一个无解的难题。因为在有些画像看来，写实主义**了浓厚的基本功与专业的大学背景，只有画白描的作家才算是“会唱歌”，至于这些看不起来绘画基础的“当代美术”“装置”“抽象画”，则通通是“蒙事”的，实际上，抛开那些学术上的纷争，单纯从场景上来看，写实风格的画像还是太有美丽的，它的深邃感与场景的手工制作感，永远是照片无法企及的。

在人们看来，画像是必须被淘汰的艺术，因为从欧美的艺术发展经验来看，从照相术诞生的那起，写实绘画的命运就早已终结了，因为绘画已经不再是他们留下形象的方式了，

那在它们看来，一个有良好绘画功底的作家，是不会做这样的艺术的——也就是说，他们的标准是，只有画像，才是有学术意义的绘画。